Blog

Jul 31, 2023

Hier erfahren Sie, was zur Regie eines Animationsfilms gehört

Unabhängig davon, ob Sie vorhaben, einen bestimmten Stil wie Stop-Motion zu verwenden, folgen Regisseure in der Regel diesem Weg, wenn sie einen animierten Spielfilm erstellen. Passend zu ihrem Titel bedeutet es, Filmregisseur zu sein

Unabhängig davon, ob Sie vorhaben, einen bestimmten Stil wie Stop-Motion zu verwenden, folgen Regisseure in der Regel diesem Weg, wenn sie einen animierten Spielfilm erstellen.

Passend zu ihrem Titel bedeutet ein Filmregisseur, dass er sein jeweiliges Projekt als Ganzes von der ersten Phase der Vorproduktion bis zu den Dreharbeiten, dem Schnitt und der Bereitstellung für die öffentliche Ausstrahlung betreut. Mit anderen Worten, sie steuern den Verlauf des Films. Und im Laufe der Geschichte Hollywoods haben sich mehrere bekannte Regisseure an der Animation versucht.

Richard Linklater, Wes Anderson und Tim Burton gehören zu den namhaften Filmemachern, die sich bei verschiedenen Gelegenheiten in diesem Bereich versucht haben. Aber mehrere Regisseure haben im Laufe ihrer Karriere ausschließlich animierte Spielfilme veröffentlicht: Nehmen wir zum Beispiel Hayo Miyazaki von Studio Ghibli oder Pete Docter von Pixar. Das sind zwei große Namen der Branche aus Japan bzw. Amerika, und sie haben einige der besten Animationsfilme gedreht, die die Branche je gesehen hat.

Aber diese Filmemacher zeichnen sich dadurch aus, dass sie bei ihren eigenen Projekten Regie führen. Die meisten Kapitäne am Steuer animierter Schiffe haben ebenso häufig Co-Direktoren an ihrer Seite, die das Steuer steuern. Der König der Löwen (1994), Toy Story (1995), Shrek (2001) – bei fast jedem wichtigen Film in dieser Hinsicht führten zwei Personen Regie, wenn nicht sogar mehr. Bei einem bestimmten Projekt ist möglicherweise einer für die Animation verantwortlich, während sich der andere auf alle anderen Aspekte des Filmemachens konzentriert, wie etwa Drehbuchschreiben und Casting. Dies liegt an der komplizierten Natur der Produktion im Gegensatz zur Live-Action. Aber so oder so: Jeder Film beginnt mit dem Drehbuch.

Dies sind die ersten beiden Schritte zu jedem Drehbuch: Workshopping und Storyboarding. Das Herzstück jedes Films ist die Geschichte, und die Seele jeder Geschichte ist der Charakter. In der Workshop-Phase der Produktion passt der Regisseur jedes Handlungselement im Kopf an, um sicherzustellen, dass das Drehbuch so solide und narrensicher wie möglich ist. Keine Handlungslücken, keine langwierigen Sequenzen.

Ohne einen richtigen Workshop ist Ihre Geschichte zum Scheitern verurteilt. Fesselnde Dynamik und spürbare Entwicklung: Ihre Charaktere sind für ein fesselndes Drehbuch unerlässlich – das Gleiche gilt für Fernsehen, Literatur und sogar Medien wie Videospiele. Jede Geschichte sollte von Anfang bis Ende spürbares Wachstum und unterhaltsame Beziehungen zwischen den Charakteren aufweisen. Natürlich gibt es in dieser Phase noch einige andere Story-Elemente, die der Regisseur verfeinern muss, etwa einzelne Handlungsstränge und die allgemeine thematische Resonanz. Aber sobald der Workshop abgeschlossen ist, geht diese Phase der Blaupause weiter.

Egal, ob Sie Ihre Szenen mit Strichmännchen und minimalen Hintergrunddetails zeichnen oder alles daran setzen, einen talentierten Künstler zu engagieren und Ihr Storyboard so professionell wie möglich zu gestalten – jedes Drehbuch muss in Szenen zerlegt werden, die dann in einzelne Panels gezeichnet werden . Diese Storyboards werden als Umrisse oder Skizzen der einzelnen Szenen des Films verwendet und ermöglichen es dem Filmemacher, seinen Fokus auf die Animationsseite des Produktionsspektrums zu verlagern.

Sobald das Storyboard fertig ist, wird jedes Panel ausgeschnitten und zusammengesetzt, um eine sogenannte Animation zusammenzusetzen. Mit der Möglichkeit, Voice-Over, Scratch-Musik, diegetische Klänge und natürlich Skizzen einzubeziehen, entwickelt sich die Animationsphase im Wesentlichen zu einer Blaupause des Projekts selbst. Dann finden Regisseure ihre Besetzung und zeichnen die Dialoge auf, bevor sie sich wieder dem Bereich der technischen Animation widmen. Das ist normalerweise die Reihenfolge der Ereignisse.

Der berühmte japanische Filmemacher Hayo Miyazaki geht jedoch den umgekehrten Weg und animiert zunächst den Film, bevor er die Stimmen aufnimmt. Aber er ist eine Ausnahme von diesem Handwerk, da er dank Projekten wie „Nausicaä aus dem Tal des Windes“ (1984), „Prinzessin Mononoke“ (1997) und „Chihiros Reise ins Zauberland“ (2001) wohl der größte Animationsfilmregisseur aller Zeiten ist.

Es ist üblich, den Film nach Abschluss der Arbeit der Synchronsprecher zu animieren, damit die Animatoren die Mimik der Charaktere an ihre jeweilige Betonung anpassen können. Dies sind im Allgemeinen die aufeinanderfolgenden Schritte. Von dort aus führt der Schritt der Vorvisualisierung zum ersten Modell dreidimensionaler Visuals. Anschließend präsentieren die Animatoren ihre Arbeit den jeweiligen Regisseuren des Projekts, die dann mit dem Kameramann des Films zusammenarbeiten, um einen klaren filmischen Stil mit Beleuchtung, Blockierung, Inszenierung, Kamerabewegungen und Schärfentiefe zu entwickeln.

Sobald die Animationsphase abgeschlossen ist, besteht der nächste Schritt in der Produktion darin, Musik auszuwählen – entweder eine Originalmusik oder einen kuratierten Soundtrack – und Soundeffekte zu implementieren: Wind und Regen in den Umgebungen, Autohupen im Hintergrund, jegliche Interaktionen mit unbelebten Objekten das kann einen Ton erzeugen.

Verbunden: Die 20 am meisten unterschätzten Animationsfilme aller Zeiten

Der Regisseur spielt in dieser Phase eine herausragende Rolle, indem er dem Komponisten die Natur der vorliegenden Geschichte vermittelt, um einen kollaborativen Ton mit der gespielten Musik zu erzeugen. Und sobald die schönen Effekte erledigt sind, beginnt das Team mit der Farbkorrektur. Hier kommt es auf starke, sorgfältig zusammengestellte Farbpaletten an, die es den Regisseuren ermöglichen, bestimmte Emotionen hervorzurufen, wenn das Publikum beispielsweise etwas Rotes sieht.

Natürlich sind Animationsfilme in der Regel dynamischer in ihrem visuellen Stil, mit lebendigen Farben und lebendigen Features an jeder Ecke ihrer jeweiligen, gut gestalteten Welt. Und natürlich kommt es beim visuellen Stil – nicht nur bei den Farben, sondern auch beim Animationsstil – zu Diskrepanzen in der kreativen Freiheit zwischen Regisseuren und ihren Live-Action-Kollegen.

Kreative wie Linklater, Anderson und Burton sind eher als Live-Action-Regisseure bekannt, die sich im Bereich der Animation versucht haben – sie sind nicht in erster Linie Filmemacher davon. Allerdings stehen viele bekannte Namen der Branche für Animation, wie der bereits erwähnte Hayo Miyazaki. Außerdem sind da noch Andrew Stanton, Brad Bird und Pete Docter aus Amerika, Mamori Oshii aus Japan, Sylvian Chomet aus Frankreich und Dutzende bemerkenswerter anderer wie Joel Crawford, Kirk DeMicco, Andrew Adamson und Dean Deblois.

Diese Namen standen im Vordergrund von Projekten wie Toy Story, Ghost in the Shell (1995), Shrek und Inside Out (2015) und prägten jeweils die jeweiligen Projekte. Nehmen wir zum Beispiel den bereits erwähnten Regisseur Richard Linklater. Wenn er einen Animationsfilm dreht, verwendet er eine spezielle Technik namens interpoliertes Rotoskopieren, um seinen Projekten realistischere Bewegungen und dennoch halluzinatorischen Stil zu verleihen. Es gibt auch Wes Anderson, der diesbezüglich ausschließlich Stop-Motion-Filme macht.

Dann gibt es noch die traditionelle Animation im Gegensatz zur digitalen Variante, die Mischung von 2D-Animationen mit 3D, die Kombination animierter Sequenzen mit anderen in Live-Action und die Existenz von Motion Capture. Möglicherweise haben Sie beim Erlernen der Animation mit endlosen, arbeitsintensiven Schritten gerechnet. Aber es ist wirklich eine Kunst für sich und es erfordert jahrelange Hingabe und Übung, sie zu meistern. Hoffentlich ist das ein guter Anfang.

Als angehender Drehbuchautor hat Jonah ein besonderes Interesse an den Karrieren von Autoren: Godard, Kurosawa, Tarantino, Anderson, den Coens und Fincher. Wenn er nicht gerade über Filme schreibt oder Filme selbst schreibt, kann man ihn wahrscheinlich dabei antreffen, wie er sich einen ansieht.